Collections
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樋口 真紀
私の作品は、すべて一点物です。私の工房が、産地の窯元でもなければスタッフが揃うスタジオでもないことから、“ただ単に同じ形の作品が大量に生産できないだけでは？”と思われる方もいらっしゃるかもしれません。これまで陶芸一色だった私の人生で、強い想いが湧き出たのは思いのほか最近のことです。「普段使いでありつつ、どこかに力強さやはなやかさが見える作品づくりをしたい」師事する本橋勤が亡くなった2年後に独立。人間国宝である田村耕一が唯一とった弟子である本橋の言葉を折に触れて反芻していると、思いがけず自分の作陶スタイルがあることに気付きました。それは、練り出す生地の雰囲気によって筆の入れ方を変える工夫をして描いていること。そして、型にはまらないようデザインを統一していないこと。轆轤・絵付・施釉・焼成、全ての工程を１人で行う私の作品が、世の中に二つとして同じものが無いというのは、必然なのかもしれません。あなたの食卓やお料理になじむと嬉しいです。樋口真紀
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波佐見
波佐見は、庶民の食卓に磁器を届けてきた産地です。軽くて丈夫で、値段も手に届く。その考え方が四百年続いています。ここに並ぶのは、波佐見と糸島の二拠点で制作する作り手の器です。真っ白な面を絵のためのキャンバスとして使い、花を描いています。四角いプレート、パン皿、ケーキ皿。余白の取り方が絵の一部になっているので、料理をのせても絵が邪魔になりません。パンやケーキをのせたときに、いちばん良く見えるように描かれています。波佐見の名前を広めたのは「くらわんか碗」です。船から売られた丈夫で安い碗で、当時の贅沢品だった磁器を日常の器に変えました。いま作られている器も同じ性格で、軽く、欠けにくく、食洗機にも入れられます。釉の下に藍で描く技法が染付です。産地の歴史は波佐見焼とはにまとめました。
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流し掛け（ながしがけ）
釉薬を上から流しかけて、あとは流れるにまかせます。どこで止まるかは、釉の濃さと素地の乾き具合、それに窯の温度で決まります。 焦げ茶の鬼板釉の上にベージュのうのふ釉を重ね、境目が厚い舌のように垂れたもの。黒い胴を白い釉が縁から流れ落ちて、途中で止まったもの。同じ手順で掛けても、二つとして同じ線になりません。 窯のなかで灰が降って溶けた自然釉とは、できかたが違います。あちらは窯がつくり、こちらは人が掛けます。ただし掛けたあとは人の手を離れるので、作り手が決められるのは、どの釉をどこからどれくらい掛けるかまでです。狙いどおりに出た器と、思いがけない景色が出た器が、同じ棚に並びます。
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海月
日本を代表する陶産地のひとつ、愛知県瀬戸市。その山の麓にある工房で、「自然の一瞬を切りとる」をテーマに器を制作しています。なかでも、ひとつとして同じではない「波」に惹かれ、その一瞬の表情を器の中に映し込んでいます。波模様は、幾度もの試行錯誤から生まれた独自の手法によって、土そのものから波の原型をつくり出し、その凹凸を器の表面に写し取ることで表現しています。そこに異なる色の土を埋め込む象嵌や、凹凸による釉薬の濃淡を生かすことで、絵付けとは異なる奥行きと、光を受けて表情を変える立体的な波を生み出しています。さらに、釉薬を吹き重ねることで生まれる青のグラデーションに、夜明けの光や移ろいゆく自然の色を重ねています。自然がつくる波の形は、ひとつとして同じものがありません。手仕事から生まれる器もまた、波の表情や釉薬の濃淡が一つひとつ異なります。それぞれの器に生まれた、ひとつだけの景色を、日々の暮らしの中で楽しんでいただけたら嬉しく思います。
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瀬戸
瀬戸は、日本で最初に釉薬をかけた産地です。「せともの」という言葉が焼き物全般を指すようになったのも、この土地から始まりました。ここに並ぶのは、瀬戸で制作する作り手の仕事です。土から波の原型をつくり、その凹凸を器に写し取った上に釉を吹き重ねた、青のグラデーション。彫りと鎬で表面に凹凸をつくり、手に触れたときのゴツゴツした感触を残した器。そして吹きガラスとキルンワークを組み合わせた、白と黒のマットなガラス。陶と硝子が同じ棚に並びます。瀬戸が釉薬の産地になったのは、鎌倉時代に中国の技法が入ってきたためです。以来、灰釉・鉄釉・織部と、この土地でひととおりの釉が試されてきました。稜線を削り出す技法が鎬で、半乾きの土に刃を入れるので、手の運びがそのまま残ります。産地の歴史は瀬戸焼とはをどうぞ。
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焼き締め
釉薬をかけずに、土そのものを焼き締めた器です。表面に見えるものはすべて、数日間の窯のなかで、火と灰がつくりました。炎が運んだところに灰が降り、肩のあたりで溶けてガラスになります。藁を巻いたところには、作り手にも読みきれない赤い線が走ります。窯が半分をつくるので、同じ景色は二度と生まれません。そして届いた日からも、使うほどにゆっくり色を変えていきます。焼締とは、締まるまで焼くという意味です。1,300度前後で土そのものが締まり、釉をかけなくても水を通しません。溜まった緑は自然釉で、降った灰が溶けたものです。赤い線は緋襷、稲藁が触れたところに残ります。使い始めに一度目止めをすると、数か月で艶が出てきます。
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田中 大輝
TATA pottery studioは、陶芸家と絵付師のコラボレーションユニットです。陶芸家の田中大輝はTATA pottery studioで主に成形を担当し、絵付けは田辺桂が担当しています。私たちの作るうつわは使いやすさと愛着を感じられる器を追求しています。田中の作風は型やろくろを使い作陶します。シンプルながら使い込むごとに良さがでてくるのが特徴です。釉薬の色合いにもこだわり、絵付が映えるよう特別に調合されていますTATA pottery studioでは、使う人の心を豊かにする器を作りたいと考えています。私たちの作品は、磁器シリーズと陶器シリーズがありそれぞれ違う印象で使う人の好みに合わせた多様な作風があるのも特徴です。絵付師の田辺は京都 東山の百年以上続く窯元で今も絵付師として働いています。そこは清水焼の伝統を受け継ぐ地域です。この地は、陶芸の歴史が深く、私たちの作品にも影響を与えています。
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益子
益子は、厚みのある土と民藝の系譜で知られる産地です。いまはそこに、他の土地の技法を持ち込んだ作り手も加わっています。ここに並ぶのは、益子に工房を構える作り手が、備前の技法で焼いた器です。備前の窯元で六年修行したあと、益子へ移って窯を築きました。釉をかけず、藁を巻いて焼き締める。だから景色は備前のもので、形は現代のシャープなものです。産地の様式をなぞるのではなく、身につけた技法を持って移り住んだ結果として生まれた器です。藁を巻いたところに残る赤い線が緋襷で、藁の塩分と土の鉄分が反応して出ます。釉をかけていないので、使うほど手の脂と水分が入り、色が深くなっていきます。益子という産地そのものの成り立ちは益子焼とはにまとめました。厚手の民藝の器とは別の入口として見てください。
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石川 裕信
伝統的な技法と現代的な美意識を融合させた「焼き締め」の器を作っています。焼き締めとは、釉薬を使用せず、炭と作品をサヤ鉢と言う鉢に入れて高温で焼き締めるという技法です。 焼き上がりの色味は、淡いベージュやグレーのグラデーションが反映されたものや、白と黒のコントラストが鮮やかなもの等、多種多様です。 同じ模様や色味がない世界に一つだけのうつわです。自然の力を最大限に引き出す技法によって生まれる、見れば見るほど味わい深い表情の"うつわ"です。使い込むほどにその美しさが増し、暮らしに寄り添う一品として長く愛用できます。しっとりとした質感が特徴ですが、日常使いの"うつわ"としても特別な場面でも活躍します。
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笠間
笠間は、決まった様式を持たないことが特徴の産地です。だから作り手ごとの個性が、器にそのまま出ます。ここに並ぶのは、笠間で作陶する作り手の器です。浅い鉢、リムの立った皿、マグカップ、花器、そして茶席で使う振出。木肌のような質感に仕上げた皿もあれば、金属を思わせる表情のものもあります。ひとりの作り手の棚とは思えないほど幅がありますが、手に取るとどれも同じ考え方でつくられていることが分かります。笠間は関東でもっとも古い窯場のひとつで、江戸時代中期に信楽の陶工が窯を開いたことに始まります。様式が固まらなかったぶん、戦後は各地から作り手が移り住み、いまも百を超える窯があります。裏返して指にあたる輪が高台で、削り方に作り手の癖が出るところです。産地の成り立ちは笠間焼とはにまとめました。
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絵付け・染付
釉薬の上や下に、筆で絵を描いた器を集めました。一度おろした筆はそのまま焼き付けられるので、線には描いたときの呼吸がそのまま残ります。釉の下に藍で描いた染付。縁を横切る木の実と葉。皿ごとにすこしずつ表情の違ううさぎ。同じ図柄でも、描いた日の手の運びで一枚ずつ変わります。並べたときに、その違いが見どころになります。釉をかける前に藍で描く技法が染付です。顔料の呉須は塗った時点では灰色で、窯に入れて初めて青くなります。完成した釉の上に色を置く技法は、低温でもう一度焼きます。赤や金が出せるのは、この二度目の焼成があるからです。鶴・松・波・唐草といった文様の意味を知ると、選ぶ楽しさが変わります。
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菅原 博之
埼玉県東秩父村に工房を構え、漆を用いた器やカトラリーの制作を中心に活動しています。木の温もりと漆の美しさが融合したデザインが特徴で、日常生活に馴染む実用性と芸術性を兼ね備えています。木工の器に2種類の仕上げ方を採用しており、仕上げ方によって異なる特徴を持ち、それぞれが日常の中に特別な魅力をもたらします。オイル仕上げの作品は、控えめでありながら洗練されたデザインが特徴です。そのマットな質感と滑らかな手触りは、使う人に心地よい感覚を与えます。日々の食卓をさりげなく上質に彩り、料理を引き立てる存在として多くの支持を集めています。一方、漆仕上げの作品は、丈夫で傷がつきにくく、長く愛用できる実用性が魅力です。その艶やかで深みのある色合いは、和食や洋食、どんな料理とも相性が良く、幅広いシーンで活躍します。"うつわ"を使うたびに、漆の持つ温かみと美しさを実感できます。どちらの仕上げも、普段使いに気負わないラフさと、空間に洗練された印象を与えるデザイン性を兼ね備えています。菅原 博之氏の作品は、"うつわ"という枠を超えて、日常の中に小さな幸せを運んでくれる特別な存在です。とても生活になじみやすく、手に触れること、目にふれることで自然を感じながら、心を穏やかにしてくれる、日常に取り入れることで豊な気持ちにさせてくれる"うつわ"です。過剰な装飾を施さず、素材と丁寧に向き合うことで、手触りや温もりを感じられる"うつわ"でもあり、生活に一つは取り入れたいと感じる器です。
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藤村 佳澄
岐阜県多治見市を拠点に活動する陶芸作家。日常使いでどんどん使ってもらえる。常にそばにある"うつわ"。を作りたいという想いのもと制作しています。真っ白な"うつわ"とブロンズ色の"うつわ"という対照的な美しさが印象的です。白色の"うつわ"は「どのような料理にも合うように」という想いで制作され、料理を引き立てるシンプルで上品なデザインが特徴です。一方、ブロンズのお皿は近所の居酒屋でのリクエストから生まれ、日常使いに適した趣のある色味が魅力です。どちらのシリーズにも共通しているのは、「使う人の日常に寄り添い、気兼ねなくたくさん使ってほしい」という温かい想いです。日々の食卓で使うことでその魅力がさらに際立つ器は、どんな料理にも調和し、使うたびに愛着が深まる逸品です。
